Benutzerin:Zartesbitter/Hollis Sigler

Dieser Artikel ist im Entstehen und noch nicht Bestandteil der freien Enzyklopädie Wikipedia.

Solltest du über eine Suchmaschine darauf gestoßen sein, bedenke, dass der Text noch unvollständig sein und Fehler oder ungeprüfte Aussagen enthalten kann. Wenn du Fragen zum Thema hast, nimm Kontakt mit der Autorin Zartesbitter auf.

Hollis Sigler (geboren am 2. März 1948 in Gary Indiana, gestorben am 29. März 2001 in Lincolnshire, Illinois) war eine amerikanische Künstlerin und Lehrerin die offen lesbisch lebte. Sie erhielt mehrere Auszeichnungen für ihr Lebenswerk als Künstlerin und Pädagogin, darunter 2001 den Distinguished Artist Award for Lifetime Achievement von der College Art Association.

Leben und Wirken

Bereits als Kind begann Hollis Sigler zu malen und für Kunst zu interessieren. Sie studierte Kunst am Moore College of Art in Philadelphia, wo sie 1970 den Bachelor of Arts erhielt. Anschließend schloss ihr Kunststudium an der School of the Art Institute of Chicago ab, wo sie 1973 den Master of Fine Arts erhielt. 1978 begann Sigler an der Columbia College Chicago in der Abteilung für Kunst und Design zu lehren. Im Jahr 1994 erhielt sie die Ehrendoktorwürde des Moore College of Art. Siglers Lehrtätigkeit wurde Anfang 2001 von der College Art Association mit dem Artist Award for Lifetime Achievement ausgezeichnet.[1]

Mit einer Serie von fotorealistischen Gemälden, die Unterwasserschwimmer darstellten, hatte sie schon früh Erfolg. 1976 wandte sie sich in einer Geste, mit der sie sich gegen den ihrer Meinung nach von Männern dominierten Stil wandte, gänzlich vom Realismus ab und wählte einen faux-naiven Ansatz. Ihre Themen, die sie so darstellte, dass sie den Eindruck erweckten, es handele sich um das Werk einer ungebildeten oder naiven Künstlerin, konzentrierten sich auf die Weltanschauung einer Frau. Eine Tendenz zu autobiografischen Inhalten war bereits in den frühen Stadien ihres späteren Stils zu erkennen.

Mit der Schmuckdesignerin Patricia Locke lebte Hollis Sigler als Paar 21 Jahre zusammen.

Künstlerische Biografie

Siglers künstlerischer Stil war faux-naïve, mit Gemälden, deren Sujets, Möbel und Kleidung in puppenstubenartigen Interieurs und Vorstadtlandschaften stellvertretend für die implizit weibliche Figur standen. You Can't Always Get What You Want (1978), das sich in der Sammlung des Honolulu Museum of Art befindet, ist ein Beispiel für die in einem faux-naiven Stil gemalten Puppenhausinterieurs der Künstlerin. Sie benennt ihre Werke immer mit einem gewichtigen Titel, wie She Always Thought She Was Wrong (1982) und Good Times Just Passing Through (1983).

Zu den öffentlichen Sammlungen mit Werken von Hollis Sigler gehören die American Academy of Arts and Letters (New York), das Art Institute of Chicago, das Baltimore Museum of Art, das Contemporary Arts Center (Cincinnati, Ohio), das High Museum of Art (Atlanta, Georgia), das Honolulu Museum of Art,[14] das Indianapolis Museum of Art, die National Gallery of Art (Washington, DC) das National Museum of Women in the Arts (Washington, DC), das Madison Museum of Contemporary Art, das Museum of Contemporary Art, Chicago, das Seattle Art Museum und das Spencer Museum of Art (University of Kansas).

Feministische Kunst

In den späten 1970er- bis frühen 80er- Jahren konzentrierten sich Siglers frühe Werke auf den persönlichen Kampf als Frau mit Fokus auf ihre lesbische Identität. Nachdem 1985 bei Sigler Brustkrebs diagnostiziert wurde, änderte sich ihr Lebensentwurf. Sie begann, ihr Leben zu reflektieren, indem sie Zitate oder Phrasen in ihre Bilder einfügte, die ihre Gefühle und einige Fakten über ihre Krankheit zeigten. Ihr faux-naiver Stil blieb derselbe; die bunten Illustrationen, die von ihrer Schrift umrahmt werden, scheinen stimmig zu sein, aber wenn man die Bilder aus der Nähe betrachtet, sieht man brennende Häuser, Engel, die in den Himmel aufsteigen, Dinge, die ihre Lebenserfahrung mit dem Krebs widerspiegeln.

Let Me Love You in Fleshy Colors

Siglers Gemälde aus den 1970er- Jahren spiegeln die Bedeutung der Chicago Imagist Figuration wider, die vom Expressionismus, Surrealismus, der Pop Art und dem California Funk beeinflusst wurde. Wie viele andere feministische Künstlerinnen schafft Sigler Werke, die sich mit dem weiblichen Körper, der Sexualität und der Identität auseinandersetzen. Let Me Love You in Fleshy Colors aus dem Jahr 1977 zeigt die häusliche Szene eines Badezimmers mit zwei doppeldeutigen Figuren unter der Dusche. Das Bild ist in leuchtenden Farben gehalten, und die geschlechtlich uneindeutigen Figuren umarmen sich in der von den Farben erzeugten Wärme, die für ihre Liebe steht. Das Gemälde stellt eine neue Referenz dar, um Kunst aus der Perspektive der weiblichen Künstlerin zu schaffen und nicht durch den weißen, heterosexuellen männlichen Blick. Sigler identifiziert die obskuren Figuren in den Titeln ihrer Gemälde und Zeichnungen oft als "She" und "The Lady".

Breast Cancer Journal

1999 veröffentlichte Sigler das Breast Cancer Journal, eine Bildzeitschrift mit einer Serie von sechzig Gemälden, die ihren Kampf gegen den Brustkrebs nachzeichnen. Die farbenfrohen Interieurs und lebendig dargestellten Naturszenen enthalten nur selten menschliche Figuren. Die Gemälde stellen Krankheit durch die Darstellung von Räumen, Häusern und Landschaften dar, die fast immer unbewohnt sind. Elemente wie Feuer und Flut sind in ihren Gemälden häufig als Metapher für ihre Schmerzen zu finden. In Maybe It Was in Something I Ate? zum Beispiel steht ein Stuhl in der Mitte eines leeren Raums, und die Wand ist von Flammen verkohlt. Sigler verarbeitete die Fakten, die sie über Brustkrebs gelernt hatte, sowie eine Reihe von Emotionen von Frauen, die die Diagnose, die Behandlung, die Operation und die Genesung erlebt hatten, in ihrer Kunst.

Viele Werke dieser Serie wurden in Ausstellungen im ganzen Land gezeigt, und einige Reproduktionen wurden im Rahmen eines von der Society for the Arts in Healthcare geförderten Programms an zahlreichen Krankenhauswänden aufgehängt.

Kunst mit Krebsdiagnose

Im August 1985 wurde bei Sigler im Alter von 37 Jahren Brustkrebs diagnostiziert, der 1991 wieder auftrat. Die Künstlerin unterzog sich einer Mastektomie und einer Chemotherapie, aber 1993 hatte sich der Krebs auf ihre Knochen, ihr Becken und ihre Wirbelsäule ausgebreitet.[9] Brustkrebs liegt in Siglers Familie; ihre Urgroßmutter, Sarah Anna Truitt Ryan, starb an der Krankheit, und Siglers eigene Mutter, bei der 1983 Brustkrebs diagnostiziert wurde,[4] erlag der Krankheit im April 1995.[10]

Nach ihrer Krebsdiagnose fertigte Sigler im Herbst 1985 in den Littleton Studios in North Carolina eine Serie von fünf Vitreographien an, die als erste Kunstwerke ihre Krankheit thematisieren. Die Drucke mit den Titeln When Choice isn't Possible, Forever Unobtainable, Needing to Make a Change, She still Dreams of Flying und There is Healing to be Done führten eine dunklere Seite in die frauenorientierten Werke der Künstlerin ein. Fast ein Jahrzehnt nach der Entstehung dieser Werke bemerkte Sigler 1994 in einem Interview, dass sie dachte, die Bilder in ihren Gemälden würden sich ändern, wenn sie sich veränderte; stattdessen änderte sich zwar der Inhalt ihrer Arbeit, aber ihre Bilder blieben gleich.[11]

In einem Interview, das in der Chicagoer Zeitschrift New Art Examiner veröffentlicht wurde, sagte Sigler, ihr sei klar geworden, dass sie irgendwann an Brustkrebs sterben würde, und dieses Wissen habe ihre Herangehensweise an die Kunst verändert.[1] 1992 begann sie mit ihrer Bilderserie Breast Cancer Journal: Walking with the Ghosts of My Grandmothers. Die sehr persönlichen, farbenfrohen Werke zeigen unbewohnte Szenen, in denen Frauenkleider (Kleider, Schürzen, Korsetts, Handschuhe und Strümpfe), Möbel (Stühle, Betten und Eitelkeiten) und antike Skulpturen (darunter die Nike von Samothrake und die Venus von Milo) als Surrogate für die Künstlerin dienen. Sie führen ein Eigenleben und geben die emotionalen Reaktionen der Künstlerin auf ihre Krankheit wieder.[9] Diese Bilder können schockierend offen sein. In einer Besprechung der Ausstellung von 1993 "The Breast Cancer Journal: Walking with the Ghosts of my Grandmothers" im National Museum of Women in the Arts schrieb die Journalistin Lee Fleming über den Inhalt eines bestimmten Gemäldes: „The glorious Nike of Samothrace, "Winged Victory," stands in armless profile atop a shallow fiery-hued tumulus not unlike a breast. Red rain falls; a bloodied, paving-stone path encirles the mound like a scar. The ground inside and outside this red-gray line is littered with discarded contemporary and antique clothes, all of which share a bleeding cutout where one breast would be...“

Die Gemälde könnten auch die Vision des Künstlers vom spirituellen Menschen verkörpern, der über die Tortur des Brustkrebses triumphiert.[9] Lee Fleming zitiert To Kiss the Spirits: Now this is What it is Really Like,[13] als ein Beispiel für ein Gemälde: "sums up Sigler's struggle in a glorious apotheosis... ."

Die Titel der Bilder, informieren teilweise über Statistiken zu Brustkrebs und beiinhalten Tagebucheinträge aus Audre Lordes Krebs-Tagebüchern.