Jean-Michel Basquiat

Jean-Michel Basquiat (* 22. Dezember 1960 in New York City; † 12. August 1988 ebenda) war der erste afroamerikanische Künstler, der den Durchbruch in der hauptsächlich weißen Kunstwelt schaffte. Der gängigen Einordnung als Graffiti-Künstler widersprach Basquiat „Ich bin kein Teil der Graffitikunst.“ Bis heute polarisiert Basquiat bei der Bestimmung seines Stellenwertes in der Kunstgeschichte. Um Basquiats Bilder zu verstehen, schreibt die afroamerikanische Essayistin bell hooks, müsse man bereit sein, die tragische Dimension des schwarzen Lebens zu akzeptieren und bezieht sich dabei auf James Baldwins Essay The Fire Next Time (1963), „dass es für die Schrecken des schwarzen Lebens keine Sprache gibt.“ Basquiats Arbeit gebe diesem Schrecken einen künstlerischen Ausdruck.

Leben

Jean-Michel Basquiat wurde ein Jahr nach dem Tod seines Bruders Max (1959) als zweiter Sohn von Matilda Basquiat, deren Familie aus Puerto Rico stammte, und Gerard Basquiat, der in den fünfziger Jahren Haiti verließ, geboren. Mit vier Jahren lernte er lesen und schreiben. Seine an Kunst interessierte Mutter, die selbst malte und zeichnete, besuchte mit ihm das Brooklyn Museum, für das er eine Jahreskarte bekam. Seine Familie gehörte der aufstrebenden Mittelschicht an und konnte es sich leisten, ihren Sohn auf eine katholische Privatschule zu schicken. 1968 trennte sich Matilda Basquiat von ihrem Mann und Kindern. Jean-Michel hatte keine Freunde; meistens spielt er mit Kindern, die keine Freunde hatten. Mit elf Jahren konnte er neben amerikanischem Englisch perfekt Französisch und Spanisch. Besuchte seine psychisch erkrankte Mutter ihre Kinder, blieb sie mit ihnen auf den Treppenstufen vor dem Haus sitzen. Ab 1974 bis 1976 lebte er mit seinen Schwestern und seinem Vater auf Puerto Rico. Zurück in Brooklyn, lief er nach Problemen mit seinem Vater für einige Tage von zu Hause weg. Er kam auf die City As School für talentierte Jugendliche mit Problemen. Die Schüler werden dort besonders gefördert. 1977 lief Basquiat erneut von zu Hause weg.

Ab April 1979 spielte er Klarinette und Synthesizer in der Noise-Band Gray, die in Clubs, wie dem Max’s Kansas City, CBGB, Hurrah im Mudd Club, und bei Arleen Schloss auftraten. Ab 1979 war Basquiat zusammen mit Walter Steding, Debbie Harry, Chris Stein und Klaus Nomi regelmäßiger „TV-Party“-Gast, einer wöchentlich ausgestrahlten Underground-Punk-Rock Show mit Glenn O’Brien, dem Musikkritiker des Magazins Interview von Andy Warhol. Durch Glenn O’Brien lernte er Andy Warhol kennen. Bis 1981 lebte er in Soho abwechselnd bei Freunden und Freundinnen, bevor er sich 1982, durch den Verkauf von Bildern zu Geld gekommen, die erste eigene Wohnung leisten konnte. Diese bewohnte er mit seiner Lebensgefährtin Susanne Mallouk. Er malte täglich im Souterrain der Galerie von Anina Nossei, seiner Galeristin. Dort produzierte er in atemberaubendem Tempo Bilder, die teilweise noch vor Fertigstellung verkauft wurden. 1982 war er mit 21 Jahren der bis heute jüngste Teilnehmer einer documenta. 1983 mietete er von Andy Warhol ein Haus auf der Great Jones Street, in dem er lebte und arbeitete. Ausstellungen in Museen und Galerien weltweit machten sein Werk immer bekannter. 1984 wechselte er zur Mary Boone Gallery, einer der angesehensten Galerien in New York. „I wanted to be in a gallery with older artists“, so Basquiat. Laut McGuigan wollte er aber vor allem die diffamierenden Vergleiche der Kunstkritiker zu Graffiti beenden und ein „etablierter“ Künstler werden, denn, so Fred Braithwaite aka Fab 5 Freddy: “Graffiti had become another word for nigger.”

Basquiat beendete 1986 die Zusammenarbeit mit der Mary-Boone-Galerie. Er reiste nach Deutschland, wo er in der hannoverschen Kestnergesellschaft eine Einzelausstellung hatte. In Hamburg arbeitete er zusammen mit Salvador Dalí, Keith Haring, Joseph Beuys und anderen an der Ausstattung für André Hellers Luna Luna, einem avantgardistischen Vergnügungspark. Als Andy Warhol im Februar 1987 starb, geriet Basquiat in eine schwere Krise. Ab Juni 1987 war der New Yorker Kunsthändler Vrej Baghoomian sein Galerist, jedoch stellte Basquiat über ein Jahr lang nicht mehr aus. 1988 zeigte Basquiat in der Galerie Vrej Baghoomian seine letzten Bilder, in denen er durch Referenzen an das Sterben durch die wiederholten Worte MAN DIES in den „Eroica“-Bildern und dem Bild „Riding with Death“ den Tod thematisierte.

Mit dem Künstler Quattara Watts, den er in Paris Anfang 1988 kennenlernte, plante Basquiat am 19. August 1988 nach Abidjan, Elfenbeinküste, Watts Heimat zu fliegen. Dort warteten Schamanen, die Basquiat von seiner Drogensucht befreien sollten. Die Flugtickets blieben unbenutzt; am 12. August 1988 starb er an einer Überdosis. Er hinterließ mehr als 1000 Gemälde und Objekte sowie 2000 Zeichnungen. In einem seiner letzten Notizbücher notierte er, ein Saxofon kaufen zu wollen.

„Als er starb, war mir sofort klar, welches Szenario herhalten musste, um ihn mit Erklärungen in den Griff zu bekommen: zu viel in zu kurzer Zeit, eine disziplinlose Gier nach Leben. Es ist das Wesen der Medienbestie, das Komplexe zu simplifizieren, dass es bis zur Unerkenntlichkeit entstellt wird.“

– Keith Haring

SAMO©

SAMO© color xerox work bei A’s, Arleen Schloss, 1979

Zusammen mit seinem Schulfreund Al Diaz schrieb er ab 1977 auf Häuserwände des Galerienviertels Soho poetische und oft kritische Phrasen wie „SAMO© as an end to playing art“, „SAMO© as an end to mindwash religion, stop running around with the radical chic playing art with daddy’s dollars“, die er mit dem Pseudonym SAMO© signierte. SAMO© ist eine Abkürzung für „same old shit“, was in der afro- amerikanischen Umgangssprache für die unveränderten rassistischen Verhältnisse in den Vereinigten Staaten steht. Die geheimen SAMO-©-Botschaften bewegten die New Yorker Kunstszene, die über ein Jahr lang rätselte, wer hinter den Botschaften mit dem Pseudonym SAMO © stehen könne. Man vermutete einen weißen Vertreter der Conceptual Art, erklärte der Rapper Fab 5 Freddy im Interview Magazin. Basquiat und Diaz achteten darauf, ihre Graffiti dort anzubringen, wo sie von Liebhabern der neuesten Kunst gesehen werden konnten. Basquiats frühe Samo-Graffiti kann eher als eine Art „Anti-Graffiti“ zu der bestehenden New Yorker Graffiti beschrieben werden, er schrieb in einem bewusst ungekünstelten Duktus, der sich durch eine ironische, gebildete und raffinierte Beobachtung der Realität auszeichnete. Das Geheimnis um SAMO © lüftet im Dezember 1978 das Stadtmagazin Village Voice mit dem Artikel „The SAMO Graffiti .. Boosh Wah oder CIA?“

Im Januar 1979 trennen sich Basquiat und Al Diaz, Basquiat stellt am 24. Oktober 1979 unter seinem Pseudonym SAMO © bei Arleen Schloss XEROX-Arbeiten aus. Der Schriftzug „Samo © as a neo art form“ gilt heute als die Geburtsstunde einer konzeptuellen Graffiti-Kunst. Das Copyright-Zeichen © war ein Spiel mit Marke und Kommerz; so wollte Basquiat die Kunstszene von Soho provozieren. Die Kunsthistorikerin Catherine Hug (Kunsthalle Wien) sieht in Samos Graffiti-Aphorismen Interventionen, die wie eine politische Verschwörungskampagne inszeniert wurden. „SAMO“ war Titel seiner ersten Ausstellung in Europa, in der Galerie Mazolli in Modena 1981. Eine endgültige Auslöschung des Pseudonyms sieht der Kunsthistoriker Dieter Buchhart im 1981 entstandenen Gemälde „Cadillac Moon“, in dem „Samo ©“ durchgestrichen und „Jean-Michel Basquiat“ dagegengesetzt ist. Die „Samo-ism“ sind aus dem New Yorker Stadtbild verschwunden. 1979 schreibt Basquiat ein „Samo-ism“ in den Koffer einer Saxophonistin, das bis heute erhalten ist. Henry Flynt, amerikanischer Philosoph und Künstler, fotografierte die geheimen Botschaften Ende der 1970er Jahre und bewahrte sie so für die Nachwelt auf.

Kunsthistorische Einordnung

Die gestische und unmittelbare Arbeitsweise Basquiats hat oft dazu geführt, dass seine Malerei als Neoexpressionismus bezeichnet wurde. Der Schichtenaufbau der Gemälde, deren Oberflächenverletzungen, die Zusammenarbeit mit Andy Warhol, das Sampeln eigener früherer Bildideen und das Wechselspiel von radikaler Leere und Horror vacui, stehen dagegen. Seine Bilder erinnern teilweise an schwarzafrikanische Volkskunst, teilweise an ein Sammelsurium der Straßen- und Gebrauchskultur nordamerikanischer Großstädte. Ähnlich mannigfaltig sind die Materialien und Techniken, die er verwendete. Er konnte alles zur Produktion von Bildern verwenden. Er benutzte in seinen Arbeiten vorgefundene Worte, Zeichen und Piktogramme, die er „facts“ nannte. „Meine facts hole ich mir aus Büchern. Sachen über Zerstäuber, den Blues, Methylalkohol, Gänse im ägyptischen Stil. Ich beziehe meine Anregungen aus Büchern. Was mir gefällt, erscheint in meinen Bildern. Ich übernehme nicht die Verantwortung für meine facts. Sie existieren ohne mich. Eine Speisekarte in einem Restaurant ist ein Bild. Vielleicht esse ich den Schweinebraten nicht, aber sein Bild lebt weiter. Das Menü, die Schrift, sie existieren weiter ohne mich“. Das Verbinden verschiedener bildgebender Elemente ist ein integraler Bestandteil der Kunst Basquiats. Seine Bilder sind in der Regel mit Wörtern, Buchstaben, Zahlen, Piktogrammen, Logos, Symbolen, Karten, Grafiken und mehr bedeckt.

Keith Haring „Er hatte Inhalte zu bieten, doch nicht nur darin hob er sich von der Graffitiszene ab. Er schrieb nicht auf U-Bahn-Waggons, sondern auf Häuserwände, dort, wo seine Streifzüge ihn hinführten. Und meistens führten sie ihn nach SoHo, wo die Galerien waren und wo seine Altersgenossen und Seelenverwandten lebten und herumhingen“. Mein Werk hat nichts mit Graffiti zu tun, die meisten Leute sind einfach nur Rassisten … und sie reden endlos über Graffiti, obwohl ich mich selbst gar nicht für einen Graffitikünstler halte. Sie haben dieses Bild von mir: der Wilde auf der Flucht, der wilde Affenmensch oder was zum Teufel sie auch denken, im Interview mit Tamara Davis 1986. Basquiat verstand sich selbst nicht als Maler, sondern als ein „Schreiber“ von Listen, Tafeln und „Vokabelheften“. Die vorschnelle, jedoch populäre Einordnung Basquiats in den Kontext der Malerei der Achtzigerjahre als Graffitikünstler oder Neoexpressionist verkenne die Vielfältigkeit und Bedeutung seiner Werke.

Schriftzeichen

Im Werk Basquiats hat Schrift eine zentrale Rolle, die gleichwertig neben den Elementen, Farbe und Figuration steht. Er bedient sich eines bestimmten Kanons von Zeichen und Formen, die immer wieder auftauchen, wie das Trademark- (TM) und Copyright-Zeichen (©) und Hobo-(Landstreicher)-Symbole. Er streicht Wörter aus, um Aufmerksamkeit auf sie zu lenken. Mit seiner Integration von Schrift ins Bild knüpft Basquiat an die Tradition des Dadaismus, Futurismus und analytischem Kubismus an. Er integriert Hip-Hop-Texte in seine Bilder, die keinen syntaktischen Zusammenhang haben. Wie Anselm Kiefer, der Schrift in seine Gemälde einfügt, „um diese mit geschichtlichen, mythologischen oder literarischen Kontexten zu verbinden“, so ähnlich benutzt auch Basquiat die Schrift, um „auf Dinge, Ereignisse und Zustände innerhalb und außerhalb des Bildraums“ zu verweisen. Die Schrift in seinen Werken ist größtenteils in Englisch, vereinzelt auch in Deutsch, Französisch und Spanisch.

Collaboration Warhol, Basquiat, Clemente

Der Galerist Bruno Bischofberger regt 1983 eine Zusammenarbeit seiner von ihm vertretenen Künstler an. Andy Warhol, als Vertreter der Pop Art, bringt Grafisches und Serielles in einem klaren, oft kühl wirkenden Stil in die Collaboration mit ein. Der temperamentvolle Gegenpol kommt von Jean-Michel Basquiat mit einer wütend ausdrucksvollen Geste, einer Mischung aus Symbolen, Piktogrammen und Buchstaben. Die traumhaften, mystischen fast surrealen Anteile im gemeinsamen Werk kommen von Francesco Clemente, einem Vertreter der Transavanguardia. Die „Collaboration“ zeigt den Grundgedanken der Pop-Art – nämlich die Abstrakte Kunst durch trivialisierte, gegenständliche Inhalte abzulösen, die Banalität des Alltags, die Konsum- und Werbewelt in der bildenden Kunst zu etablieren.

Rezeption

Das New Yorker Kritikerlager war in die euphorischen (linken) Anhänger und die zumeist konservativen Feinde Basquiats aufgeteilt. Die afro-amerikanische Feministin Bell Hooks nahm in ihrem Essay „Altars of Sacrifice. Remembering Basquiat“ 1993 zu der Basquiat-Retrospektive im Whitney Museum von 1992 Stellung und kritisierte vor allem die missverstandene Rezeption Basquiats unter weißen Kunstkritikern. Weil er schwarz und jung ist, werden einige Kritiker nicht widerstehen können, Basquiat mit den offensichtlicheren Formen von schwarzer oder puerto-ricanischer Straßenkunst in New York in Verbindung zu bringen.

Renommierte weiße Kunstkritiker wie Hilton Kramer und Robert Hughes sehen in Basquiat einen wenig talentierten Künstler, einen Graffitimaler, der von der New Yorker Kunstszene nach oben „gejubelt“ worden sei, Hilton Kramer New York Times erklärt 1985 in einem Filminterview „Basquiats Bedeutung ist so gering, dass sie praktisch null sei“. Robert Hughes schrieb nach Basquiats Tod den Artikel „Jean-Michel Basquiat. Requiem for a featherweight“ (Requiem für ein Federgewicht). Basquiats erste große Retrospektive im Whitney Museum, New York 1992, nannte Hilton Kramer „A Desaster“. Robert Hughes schrieb „Das Leben war so traurig und kurz und die Kunst, die daraus so beschränkt hervor kam, lässt es unfair erscheinen, näher darauf einzugehen“. Rammellzee , New Yorker Hip-Hop Musiker und Künstler „Wir wurden als Graffitikünstler bezeichnet, er jedoch nicht“.

Jean-Michel Basquiat verkörpert durch sein Leben und Werk die Synthese von afrikanischer, karibischer, afro-amerikanischer, weißer amerikanischer und europäischer Kultur. Ein angemessenes Studium von Basquiats Arbeiten bewegt sich zwischen dem Situieren seines Lebens und Werks innerhalb der New Yorker Subkulturszene der frühen achtziger Jahre und einem „akademischen“ Lesen seiner Bildinhalte, wie Greg Tate in seinem Katalog-Essay „Black Like B.“ von 1992 feststellt: Basquiat was … a populist postmodernist. He belongs to a black tradition, well established by our musicians, of making work that is heady enough to confound academics and hip enough to capture the attention span of the hip-hop nation.

Kunstmarkt

Die Werke Basquiats zählen mit zu den gefragtesten Kunstobjekten des 20. Jahrhunderts. 2008 wurde sein 1982 entstandenes Werk Untitled (Boxer) bei einer Auktion in New York vom Auktionshaus Christie’s für rund 13,5 Millionen US-Dollar an einen Unbekannten verkauft. Der frühere Besitzer war der Metallica-Drummer Lars Ulrich. Einer der höchsten Preise für eine Basquiat-Arbeit liegt bei 14,6 Millionen US-Dollar für sein Untitled (Pecho/Oreja), das 2007 von der Rockband U2 zur Versteigerung freigegeben wurde. Der teuerste Basquait wurde im Mai 2016 beim Auktionshaus Christie's für 57,3 Millionen Dollar (50,37 Millionen Euro) verkauft. Das knapp zweieinhalb mal fünf Meter große Selbstporträt wurde 1982 in Italien gemalt und ist namenlos. Der Käufer war ein anonymer asiatischer Sammler.

Johnny Depp, Dave Stuart (Eurythmics), Dennis Hopper, John McEnroe, Madonna and Leonardo DiCaprio u.a gehören zu den Sammlern seiner Werke. Der große Teil seiner besten Arbeiten ist in der Hand weniger Sammler wie Peter Brant, Eli Broad, Philippe Niarchos, Dennis Scholl und der Sammlerfamilie Mugrabi, die sehr viele Werke besitzt. Alberto Mugrabi ließ sich die Basquiat-Krone auf sein Handgelenk tätowieren.

Fälschungen

Vrej Baghomian, Basquiats letzter Kunsthändler veräußerte 1994 an den Händler Daniel Templon mehrere Basquiat-Bilder, die dieser auf der Pariser Kunstmesse FIAC ausstellte. Ein Messebesucher entdeckte, dass diese Bilder nicht von Basquiat sein können. Das Basquiat-Autorisierungskomitee mit Gerard Basquiat, John Cheim, Jeffrey Deitch, Larry Warsh, Diego Cortez und Richard Marshall bestätigte dies. Allein Bildertitel wie „Smoke Bomb, Tax-Free, Balloon, Mass Slums und Ascecticism“ entsprachen nicht der Wortwahl des Künstlers.

Filmographie

• Im Film New York Beat spielte Basquiat die Hauptrolle. Den Film, der 2010 unter dem Titel Downtown 81 publiziert wurde, sah er nicht, „sie haben mich von der Durchsicht des gedrehten Filmmaterials immer ferngehalten“.
• Im Blondie-Videoclip „Rapture“ spielt Basquiat einen Discjockey, der durch das Tragen bayerischer Landmode einen optischen Gegenpol zu Debbie Harry bietet.

Verschiedenes

• Der Dichter Kevin Young widmete 1991 mit To Repel Ghosts, Basquiat ein Kompendium von 117 Gedichten.
• Der Dichter M.K. Asante widmete 2005 Basquiat das Gedicht „SAMO“ in seinem Buch Beautiful. And Ugly Too.
• Julian Schnabel drehte einen Film über den Künstler Basquiat (1996).
• Der Jazz-Bassist Lisle Ellis schrieb 2007 das Sucker Punch Requiem – An Homage to Jean-Michel Basquiat.

Retrospektiven

Im Oktober 1992 bis Februar 1993 zeigte das Whitney Museum of American Art die erste „Jean-Michel Basquiat“-Retrospektive, die danach in Texas, Iowa und Alabama ausgestellt wurde. Der Katalog zu dieser Ausstellung von Marshall, Richard. Jean-Michel Basquiat, Abrams / Whitney Museum of American Art, 1992 (vergriffen) bietet einen differenzierten Blick zur Arbeitsweise und zum Stil Basquiats und gilt als relevante Quelle. 2005 zeigte das Brooklyn Museum von März-Juni „Basquiat“, eine Ausstellung, die später nach Los Angeles und Houston ging.

Die Fondation Beyeler im schweizerischen Riehen bei Basel zeigte 2010 eine Basquiat-Retrospektive, die annähernd 110.000 Besucher hatte. Anschließend wanderte die Ausstellung ins Musée d'Art Moderne in Paris, wo mehr als 200.000 Besucher die Ausstellung sahen.

Ausstellungen (Auszug)

• 1980 SAMO©,Arleen Schloss, New York
• 1980 Times Square Show
• 1981 New York–New Wave, Institute for Art and Urban Ressources, Long Island City, Queens / New York
• 1981 Galleria Emilio Mazzoli, Modena
• 1981 Annina Nosei GaIIery, New York
• 1982 Larry Gagosian Gallery, Los Angeles
• 1982 documenta 7, Kassel
• 1982 Annina Nosei GaIlery, New York
• 1982 Marlborough Gallery, New York
• 1982 Galerie Bruno Bischofberger, Zürich
• 1982 Fun Gallery, New York
• 1982 New New York, Florida-State University Art Gallery, Tallaliasse, Florida
• 1982 Metropolitan Museum & Art Center, Coral Gables, Florida
• 1982 Body Language - Current Issues in Figuration, University Art Gallery, San Diego State University, San Diego, California
• 1982 Avanguardia e Transavanguardia ’68 - ’77, Rome
• 1982 Cinque Americani, Museo Civico, Modena
• 1982 Drawings / Visions, NewYork, Janus GalIery, Los Angeles
• 1982 Works on Paper, Larry Gagosian Gallery, Los Angeles
• 1982 The Pressure to Point, Marlborough Gallery, New York
• 1982 Transavanguardia Italia - America, Galleria Cicica, Modena
• 1982 Still Modern After All These Years, Chrysler Museum, Norfolk, Virginia
• 1982 New York Now, Kestnergesellschaft Hannover
• 1983 Larry Gagosian Gallery, Los Angeles
• 1983 Galerie Bruno Bischofberger, Zürich
• 1983 Galerie Akira Ikeda, Tokyo
• 1983 West Beach Café, Venice, Californie
• 1983 New York Now, Kunstverein München; Musée Cantonal des Beaux-Arts, Lausanne; Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen Düsseldorf
• 1983 Whitney Biennale, Whitney Museum of American Art, New York
• 1983 Back to the USA, Kunstmuseum Luzern
• 1983 Artists, The Seibu Museum of Art, Tokyo
• 1983 Written Imagery Unleashed in the Twentieth Century, Fine Arts Museum of Long Island, Hempstead, Long Island / New York
• 1983 From the Streets, Greenville County Museum of Art, Greenville, South Carolina
• 1983 Paintings, Mary Boone Gallery, New York
• 1984 Mary Boone Gallery, New York
• 1984 The Fruitmarket Gallery, Edinburgh
• 1984 Institute of Contemporary Arts London
• 1984 Painting and Sculpture Today, Indianapolis Museum of Art, Indianapolis, Indiana
• 1984 American Neo-Expressionists, Aldri Museum of Contemporary Art, Ridgefield, Connecticut
• 1984 New Art, Musée d'Art Contemporain, Montréal
• 1984 Free Figuration France/USA Musée d’art moderne de la Ville de Paris
• 1985 Galerie Bruno Bischofberger, Zürich
• 1985 Museum Boijmans van Beuningen Rotterdam
• 1985 Mary Boone / Michael Werner Gallery, New York
• 1985 XIII BIENNALE DE PARIS - Biennale de Paris, Paris
• 1986 Larry Gagosian Gallery, Los Angeles
• 1986 Galerie Bruno Bischofberger, Zürich (drawings)
• 1986 Galerie Thaddaeus Ropac, Salzburg
• 1986 Centre Culturel Français, Abidjan, Elfenbeinküste
• 1986 Kestnergesellschaft, Hannover
• 1986 Galerie Michael Werner, Köln
• 1987 Daniel Templon, Paris
• 1987 Akira Ikeda Gallery, Tokyo
• 1988 Hans Mayer Gallery, Düsseldorf
• 1988 Vrej Baghoomian, Inc., New York
• 1988 Annina Nosei Gallery, New York
• 1989 Paintings Drawings, Galerie Thaddaeus Ropac, Salzburg
• 1992 Retrospektive Whitney Museum of American Art, New York
• 1994 The Theater of Refusal: Black Art & Mainstream Criticism - Center for Art and Visual Culture, Baltimore, MD
• 1996 23° Bienal de São Paulo - Bienal de Sao Paulo, São Paulo
• 1996 Collaborations - Warhol, Basquiat, Clemente - Kunsthalle Fridericianum, Kassel
• 1998 Poèmes à petite vitesse - Musée d’Art Contemporain Lyon, Lyon
• 1999 The American Century - Art & Culture 1900-2000 Part II - Whitney Museum of American Art, New York City
• 2000 Around 1984 - A Look at Art in the Eighties - MoMA PS1, New York City, NY
• 2000 Painting the Century: 101 Portrait Masterpieces 1900–2000 National Portrait Gallery, London
• 2001 One Planet Under a Grove: Hip Hop and Contemporary Art - Bronx Museum of the Arts, New York City, NY
• 2003 American Figures. Between Pop Art and Trans-Avantgarde - Stella Art Foundation, Moscow
• 2003 50th International Art Exhibition Venice Biennale / Biennale di Venezia - La Biennale di Venezia, Venice
• 2005 Beautiful Losers - Contemporary Art and Street Culture - University of South Florida Contemporary Art Museum, Tampa, FL
• 2005 Basquiat - Brooklyn Museum
• 2005 El foc davall de les cendres (de Picasso a Basquiat) - Institut Valencià d’Art Modern, Valencia
• 2005 De Picasso a Basquiat - Musée Maillol - Fondation Dina Vierny, Paris
• 2005 BIG BANG - Centre Georges Pompidou - Musée National d’Art Moderne, Paris
• 2005 my private Heroes - MARTa Herford
• 2006 Basquiat - una antología para Puerto Rico - Museo de Arte de Puerto Rico, Santurce
• 2006 Basquiat 1960-1988 - Basquiat Retrospective - Shanghai Duolun Museum of Modern Art, Shanghai
• 2006 Radical NY! The Downtown show: the New York art scene, 1974-1984 and abstract expresionism: 1940-1960 - Austin Museum of Art - AMOA, Austin, TX
• 2006 THE 1980s - A TOPOLOGY - Museu Serralves - Museu de Arte Contemporânea, Porto
• 2006 The Downtown Show: The New York Art Scene, 1974–1984 - The Andy Warhol Museum, Pittsburg, PA
• 2006 Sound & Vision - Museo della Città, Perugia
• 2007 Schönwahnsinnig - Stiftung Schleswig-Holsteinische Landesmuseen - Schloss Gottorf, Schleswig
• 2007 Crossing Currents - The Synergy of Jean-Michel Basquiat and Ouattara Watts - Hood Museum of Art, Hanover, NH
• 2007 Jean-Michel Basquiat: Works on Paper - Van de Weghe Fine Art, New York City, NY
• 2007 Basquiat in Cotonou - Fondation Zinsou, Cotonou
• 2007 POP ART 1960’s to 2000’s - Hiroshima City Museum of Contemporary Art, Hiroshima
• 2007 Von Klimt bis Krystufek - Museum der Moderne Salzburg, Rupertinum
• 2007 Panic Attack! - Art in the Punk Years - Barbican Centre, London
• 2012 Ménage à trois - Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland, Bonn
• 2012 Meneer Delta - Museum Boijmans van Beuningen, Rotterdam
• 2012 God Save the Queen: Punk in the Netherlands 1977-1984 - Centraal Museum, Utrecht
• 2013 Warhol / Basquiat - Bank Austria Kunstforum Wien, Wien
• 2015 NOW´S THE TIME - Guggenheim Museum, Bilbao

Literatur

• Susanne Reichling: Jean-Michel Basquiat. Der afro-amerikanische Kontext seines Werkes DISSERTATION zur Erlangung der Würde des Doktors der Philosophie der Universität Hamburg
• Leonhard Emmerling: Jean-Michel Basquiat: 1960–1988. Taschen, Köln 2003, ISBN 3-8228-1636-1
• Sam Keller (Hrsg.): Basquiat. Katalog zur Beyeler-Retrospektive. Hatje Cantz Verlag. ISBN 978-3-7757-2592-7
• Eric Fretz: Jean-Michel Basquiat: a biography, Santa Barbara, Calif. [u.a.]: Greenwood, 2010, ISBN 978-0-313-38056-3
• Doris Berger: Projizierte Kunstgeschichte Transcript; Auflage: 1. Aufl. (Februar 2009) ISBN 978-3837610826
• Jennifer Clement: Widow Basquiat. Edinburgh : Payback Press, 2000. Revidierte Ausgabe 2014.
• Dieter Buchhart, Glenn O'Brien, Jean-Louis Prat, Susanne Reichling: Jean-Michel Basquiat, Hatje Cantz, 2010. ISBN 9783775725934
• Curley, Mallory: A Cookie Mueller Encyclopedia, Randy Press, 2010.
• J. Deitch, D. Cortez, Glenn O’Brien: Jean-Michel Basquiat: 1981: the Studio of the Street, Charta, 2007. ISBN 9788881586257
• Phoebe Hoban: Basquiat: A Quick Killing in Art (2. Auflage), Penguin Books, 2004.
• Luca Marenzi: Jean-Michel Basquiat. Charta, 1999. ISBN 978-8-881-58239-6
• Richard Marshall: Jean-Michel Basquiat, Abrams / Whitney Museum of American Art. Hardcover 1992, paperback 1995. (Catalog for 1992 Whitney retrospective, out of print).
• Richard Marshall: Jean-Michel Basquiat: In World Only. Cheim & Read, 2005. (out of print).
• Marc Mayer, Fred Hoffman u. a.: Basquiat, Merrell Publishers / Brooklyn Museum, 2005.
• Greg Tate: Flyboy in the Buttermilk. New York: Simon & Schuster, 1992. ISBN 978-0-671-72965-3

Weblinks

• Literatur von und über Jean-Michel Basquiat im Katalog der Deutschen Nationalbibliothek
• Werke von und über Jean-Michel Basquiat in der Deutschen Digitalen Bibliothek
• Materialien von und über Jean-Michel Basquiat im documenta-Archiv
• Jean-Michel Basquiat auf kunstaspekte.de
• Basquiat-Retrospective im Brooklyn Museum 2005 (Fotos von Künstler und Werken)
• Figuration Libre France/USA, by Hervé Perdriolle
• Informationen bei Die Zeit zu Lisle Ellis’ Sucker Punch Requiem
• Jean-Michel Basquiat, Fondation Beyeler / Interview mit Sam Keller Video 2010
• Angaben zu Basquiat auf artcyclopedia (mit Angaben zu Standorten seiner Bilder)
• Brooklyn Museum Excellent website of the 2005 Basquiat retrospective exhibition at the Brooklyn Museum.
• Basquiat.com Official site of The Estate of Jean-Michel Basquiat.
• Basquiat Biography. (Scholarly but accessible Basquiat website with bibliography, timeline, links to on-line images, school lesson-plans, list of Basquiat works recently at auction, and updated blog of current Basquiat-related events.)
• Basquiat at Artfacts (Commercial site giving listing of Basquiat exhibitions, and works currently on sale.)
• Emmerling, Leonhard. Jean-Michel Basquiat 1960-1988. Köln: Taschen Art Album, 2003.
• Hoban, Phoebe: „SAMO IS DEAD: The Fall of Jean-Michel Basquiat“. New York Magazine. Sept. 26, 1988. pp 36–44.
• Pearlman, Alison. Unpackaging Art of the 1980s.
• Powers, Nicholas. The Radiant Death, a review of the Brooklyn Museum’s Basquiat exhibit
• Seed, John. Driving Mr. Basquiat.
• Jean-Michel Basquiat: The Radiant Child, Documentary film by Tamra Davis, screened at Sundance Film Festival 2010
• Jean-Michel Basquiat at the Fun Gallery, excerpt from “Young Expressionists” (ART/New York #19), video, 1982.
• Jean-Michel Basquiat: The Radiant Child site for Independent Lens on PBS
• Official Trailer for the 2011 documentary Jean-Michel Basquiat: The Radiant Child